古屋博敏 - Official Blog -

僕自身もスタジオで使用しているProfessional Fidelityを、如何にプロスタジオで使用するかという観点で本日は書いてみたいと思います。昨今Phonitor xやPhonitor seを音楽リスニング向けではなく、プロスタジオ向けにご導入頂いた案件が続きましたので、具体的な使用方法を用いてご説明してみたく思います。 昨今は特に世界市場での動向として、プロスタジオ向けの製品とリスニング用途の製品に隔たりが殆ど無くなり、同一機材でプロ・コンシューマーオーディオ双方に対応するという考え方が強くなりつつあります。僕が国際エンドーサーを務めるKii Audioは、ドイツやスイスなどで絶大な人気を誇っていますが、正に全く同じ機材でプロ向けとコンシューマー向け双方に別々のイベントを組むほどに、コンシューマーもプロ並みの精度をもってして音楽を楽しむという境地に到達しています。そんな背景から、ここ日本でも積極的にプロとコンシューマーの垣根をなくそうとする動きが活発化しています。特にPhonitor x、Phonitor se、Phonitor xeはVGPでも連続金賞を連発した絶対王者たちであり、近年ではこれ以上のヘッドフォンアンプは存在しないとする最高評価を市場から獲得しています。 僕自身もPhonitor xとDirector Mk2はスタジオで使用する立場でもあるので、どういった方向感で用いているかを合わせてご紹介してみたいと思います。 Professional Fidelity製品の中でプロスタジオでも用いられる機材と言えば、ヘッドフォンアンプであればPhonitor xやPhonitor se、そしてPhonitor xeといったVGP金賞常連の機材たちと、やはり長年にわたりVGPで受賞をし続けているDACであるDirector Mk2やDiamondという製品群になります。僕の場合は特に好きなのがPhonitor xとDirector Mk2でして、これは本当にメイン機材と言える立場で用いています。スタジオだからギンギンにきついサウンドで聴いているかというとそうでもなく、楽音における高い精度は臨界点と言えるほどの表現力が既にSPLのProfessional Fidelityでも行われており、更にはそこにSPLならではの芸術的表現が加えられているといった印象です...

  久しぶりに機材レビューではなく、音に対してのテクニック的なことを少し書いてみようと思います。最近聞こえてくる声として、 「古屋さんに影響されて、〇〇を買いました。」 或いは 「あの作品のあの音に憧れて、〇〇を買いました。」 というお言葉を頂きます。自分としては世界一の機材だと思っているからSPLを使っていますし、会社で代理店のライセンスも持っています。なので、皆様からのお声は心から喜ばしいことですし、全責任を持って間違いのない世界一の機材を購入して頂いていると思っています。これは自分の日々発言していることと行っていること、望んでいることとその結果によって良い影響を多方に渡って与えられていることは、全ての要素が一つの方向を向いて整合性が取れていると感じられ、大変喜ばしいことです。 では、SPLの何が世界一と言えるのか？或いは全く方向性は異なりますが、IGS Audioも一体何がそこまで魅力で、僕の会社で扱おうと思ったのか？色々と要素はありますが、端的に言えばそれは双方に非常に効きが強烈で、楽音を一発で別物に変化させてしまうパワーを持っている激しい変化率です。世界の激しい潮流で戦う僕としては、この強烈な狂気とも呼べるような音の変化が無ければ戦いようがありません。ちょこちょこっと、すこーしだけの変化で変わったのかなぁ・・・・みたいな楽音構成で勝負していては、絶対に世界で選ばれることはありません。これは断言できます。マスタリングであれば、特に劇的な変化をほぼ100%求められます。なので、どう扱ったら良いのかわからないくらいの激しい変化を持つ機材を手なずけ、自分の想像している楽音を遥かに超えるような機材に触れないと、激しい結果をもたらすことのできる自らの創造力がそもそも育ちません。可能性があれば何処までも追求したくなるのが人間で、やれるだけやり、行き付けるところの限界まで追い込んで、追い込み、更に追い込んで・・・・とやると失敗することも多々あります(笑)。 ただ、この徹底して追い込むというものが極限の極限まで行くと、そこから幾分か差し引くことも上手くなるようになります。いわゆるそれを調整と呼ぶのでしょうが、その調整できるところまでは、とにかく極限の追い込みこそが上達します。追い込みすぎてその国でスーパースターと呼ばれるアーティストにクビになったことも多々ありました...

僕がP8のプロトタイプを見せて貰ったのは、なんと2019年11月にSPL社を訪れた時のことです。この折開発部屋で如何にも”これからです”という、組みあがっていない状態の8チャンネルマイクプリアンプを見せて貰いました。親友のマーケティングマネージャーのサーシャが、 「明日Hiro達が来るから、組み上げておけって言っただろ」 と若きエンジニアに話していたのが思い出深いです。その折にサーシャと色々と話したことをブログを通して共有しておきたいと思います。 そもそもCrecsendoという怪物級のマイクプリアンプがありながら、何故120vテクノロジーを排した製品を作ったのか？この辺りが最も興味深いところです。というのは、2019年の年末当時、SPL社はマスタリングコンソールを発表し、120vテクノロジーを全面的に押し出した製品で大成功を収めていました。それにも関わらず、敢えて音を扱う意味での心臓部にそれまでの栄光を捨てて新製品開発をしているのかは、非常に興味深いものがありました。サーシャは以下の通り話していました。 「120vテクノロジーは素晴らしいのだけれど、音色感は120vテクノロジーに支配（dominateという単語を使っていたのが印象的）されるだろ。もっとディスクリートのみの音で作り上げるサウンドというもので製品を作ってみたかったんだ。カチッとしたSPLらしい強固な（robustという単語であったと思う）音で、Hi-Fiではないけれど、しっかりしたサウンドを求めてみたんだ。それに120vテクノロジーの製品はご存じの通り値段が物凄く高くなってしまう点もあるから、路線の異なる製品を作ろうと思ったんだ。」 とのこと。実際同マイクプリアンプを積んでいる昨今のChannel One Mk3など製品を触っていますが、Crecsendoとは全く異なる方向性のサウンドなのですが、間違いなくSPL社の思想を感じる音作りをしてきています。流石の王者が作り込んだサウンドであることは間違いのですが、ここまできてしまうと録ろうとしている楽器における楽曲内での立ち位置で機材を変えるという感じでしょうか。CrecsendoとP8で甲乙や優劣をつけるというのはナンセンスで、現代の頂点を行くスーパーサウンドを求めるのであればCrecsendo、モダンでありながらも楽器の個性をしっかりと示しながら、堅実...

  元々はSPLユーザーである僕が、SPLの国際公式エンドーサーとなったことで、SPLのユーザーに与えられている特権を実感してきたのでお話してみたいと思います。 特権とは何ぞやというところですが、やはりそのメーカーがどの立ち位置で活動しているか？という箇所は非常に重要と思えます。例えば僕のスタジオの写真に用いられているマスタリングコンソールは言うに及ばず、同じく写真内に収められているヘッドフォンアンプ：Phonitorシリーズも、アビーロードスタジオなどで使用されています。 世界の頂点であるアビーロードスタジオで運用されているということは、皆さんが恋焦がれるアーティストたちも同じ環境・同じヘッドフォンアンプを用いて聴いてきたということです。世界の頂点がどう音色を聴いて、どう判断し楽曲をリリースしているのか？詳細なディテイルが同じ機材を用いることで、全く同一の音色で聴くことが出来るということです。これは中々できることではなく、皆さんは恐らくはアビーロードスタジオなどは全く別物の世界と思われているのではないでしょうか。しかしSPLのユーザーになることで、別世界と思い込んでいた頂点の世界に触れることが出来るとともに、全く同じ環境というのはある意味言い訳は一切できないわけですから、音の聴き方という意味でも研ぎ澄まされた感覚を養うことが出来ます。 音の聴き方というものが存在するのか？思われるかもしれませんが、僕が世界で活動してきた感覚として、ドイツなど音楽先進国で聴いている音のポイントと、日本国内とではかなり”聴き所”が異なると感じています。良く機材などの聴き比べをしていても、西洋人の方が反応良く 「著しく変化した」 などの反応を見ることがあります。これは音を構成している対極的な部分、楽曲の概要と表現しても良いかもしれませんが、いわゆる大枠の部分と、各楽器のセクションごとの一つ一つの緻密な聴き分けというものが、非常に繊細に感じられていると思われるケースに遭遇します。そのうえ楽曲の美というものを全面的に受け止めており、これらが融合することで総合的な芸術と捉えられているので、表面的にサラッと聴いているイメージはありません。ただ、このような分析をして聴いているわけでもなく、ネイティブな感覚として芸術の在り方が体に染みわたっているから故に感じ取れる姿とでも言いましょうか。この...

  ここに写っている機材だけでも、日本未上陸の機材ばかりである 音の哲学についてここまでシリーズで書いてきましたが、結局のところどうすることで自らの音の哲学を確立し、魅力的な音を作り、的確な聴き方を手に入れられるのか・・・今の日本の音楽プロダクションや音楽業界全体として、現在は岐路に立っていると思っています。 結局のところの結論として、作る場合でも聴く場合でもグローバルスタンダードを強く意識することに、議論は集約されるものと思っています。 世界はインターネットによってどんどんと狭くなり、情報を世界中から得ることや意思疎通を行うことはもはや少しも難しいことではなくなってしまいました。翻訳機能も相当に進んだ昨今、言語の壁はもはや無いと言えるでしょう。同時通訳は既に人の手によるものではなく、誰もが簡単に手に入るソリューション・アプリとして使えるものへと変貌を遂げています。そうなると、これまで言語の壁が大きく隔たりを作っていたとされる前提は完全になくなり、もはや”能力”だけに世界との隔たりの議論は集約されます。では、この能力とはいったい何なのか？僕の場合はアメリカやヨーロッパとのリレーションによって、学びや仕事が人生の多くを占めていますので、日本との格差というものを肌身で感じてきました。 それらを端的に述べるのであれば、新たなことへの果敢な挑戦と、その挑戦を社会全体で育む文化においては、日本が大きく学ぶ必要のある点だと思っております。 これまで僕は日本に多くの機材を持ち込んできました。しかもそれは国際エンドーサーとして、日本には情報が非常に乏しいものを国内へ持ち帰りました。この時に 「必ずこの機材は、僕の音楽活動にとって大きな分岐点となる」 と思い、一大決心をして大量の情報と共に自分の信念に従いました。そして、そもそもこの国際エンドーサーを成立させるためには、先方のメーカー側のオファーが必要なわけでして、当時僕が一番最初に国際エンドーサーとなりえたのは何と天下のSPL社でした。結局「SPL社ほどの会社が認めたということであれば」という思考がその後に国際エンドーサー獲得を大きく後押ししたことは間違いありません。天下のSPL社が最初の国際エンドーサー契約というのは、恐らく皆さん想像だにしなかったと思います。もう少しライトなメーカー、例えばプラグインメーカーなどから入って...

  廃盤になってしまった、SPL NEOSエンドーサーモデル。この機材が無ければ、生まれなかったサウンドは山ほどある。 では、僕はどうやって世界に認めて貰えたのか？また、その感性や技術というものは、どうやって身に付いたのか？ここに自分の体験談も併せて、ご説明してみたいと思います。 一つ大きなファクターとして、背景を色々と説明すると長くなりすぎので割愛しますが、音の概念自体は20代中盤にニューヨークでピアノの音を学ぶ機会を得ています。それは日本国内でのサウンドが、大分概念が異なると思っていたので、それを追求するための期間でした。僕のこれまでの半生は、ビジネスと音とが交互にやってきていて、音や音楽に傾斜するとその期間は修業期間として収益は殆ど出ない中で、何とかそのスキルを身に付けて次のステージに行くということを繰り返しています。それが今になり、年齢的な経験値も併せ持った上で、ビジネスと音とが相互に上手くかみ合ったところでビジネスのグロースのフェーズに入っています。 そして、ニューヨークで学んだ後は完全に独学で、日本国内で音の感性というものに触れたりですとか、何かしらのアプローチというものは行わずに、30代でバークリーに入って学ぶ機会を得ます。つまりは日本国内での音の教育を受けたことがありません。聴き方、感じ方は世界のグローバルスタンダードを学び、常に意識し・聴き・感じ・アウトプットしようとしていました。また、勉強は得意なようで得意ではなく、苦手なようで得意という変わった人物像故に、何か特化して学んだ折にはとてつもなく結果を出すようなところも持っていたので、論理性と感性を融合させた形で話の展開がなされる西洋人の対話は大好きでした。また、インターナショナルスクールの卒業生でもあるので、子供の頃から西洋社会に慣れてはいました。 これら背景が僕にはあります。この諸要素が、その後の活動にどう活かされているのかは、自分自身でもよくわかりませんが、しかし、何かしらの形でヨーロッパでの成功に導いてくれたことは間違いありません。また西洋人、特にエグゼクティブたちとの付き合いにおいても、僕が持つ独特の性格が彼らに好かれ、妙にかわいがってもらったところがあります。その性格は世界のトップアーティストたちとの仕事でも活かされましたし、メーカーとの付き合いにおいては、高いハードルを自分に設...